Hasta agotar existencias (Ensayando para que la muerte de mi madre no me pille desprevenida) es otra de las obras que se presentará en el marco del Festival Temporada Alta en Buenos Aires, con sede en TIMBRe4. Voyeur Cultural entrevistó a Verónica Navas Ramírez, dramaturga, directora e intérprete de esta pieza que llega desde España.

— ¿Cómo surge el interés por indagar en la relación madre/hija?

— La pieza se gestó hace unos años y fue fruto de un proceso de investigación académica. Al principio el interés no estaba puesto en ese foco temático ni en nada autobiográfico; a mí lo que me interesaba eran las dramaturgias documentales y el abordaje neto desde la escena. También tenía otros intereses ligados al género, ver cómo se trabaja la mujer en el teatro, los clichés escénicos. Había trabajado con una compañera piezas de danza y movimiento para observar el tratamiento del cuerpo de la mujer o del hombre no cis en escena y cómo se adecuaban esos cuerpos al espacio. Ese era mi campo de interés y navegaba en esas cuestiones.

— ¿De qué manera llegaste al tema de la obra entonces?

— De una manera súper azarosa. Por aquel entonces yo vivía con mi madre y se dieron uno de esos momentos en los que te hace un click en la cabeza. La verdad es que sentí una conexión muy fuerte entre mi cuerpo y el suyo porque me encontré haciendo un gesto exactamente igual a como ella lo hacía. No se trataba tan sólo de caminar o reírse de la misma manera, sino algo mucho más particular. Es una anécdota muy tonta y muy peculiar a la vez. Así es como decidí tomar este camino desde la dramaturgia.

— El título de la obra es Hasta agotar existencias, pero en un paréntesis se aclara “Ensayando para que la muerte de mi madre no me pille desprevenida”. Contanos un poco sobre este agregado.

— Eso surge de una anécdota que pasó a ficcionalizarse en la obra: en aquel momento yo vivía obsesionada con la idea de que mi madre se iba a morir al día siguiente. Eso es verdad. Yo tengo plena conciencia de que es absurdo: mi madre está bien y no le va a pasar absolutamente nada. Es decir, a todos nos puede atropellar un coche mañana, pero me refiero a que la mujer no está enferma ni nada. Pero era una idea recurrente y me ocurría de verdad, entonces decidí tomarlo como leitmotiv porque era una locura y entendí que podía salir algo de todo eso.

— ¿Cómo encauzaste esa inquietud en la estructura de la pieza?

— Comencé a plantearlo a partir de la pregunta sobre cómo maduramos, cómo madura nuestro cuerpo, de dónde viene nuestra construcción como mujer en la sociedad o en el seno de una familia, qué cosas heredamos. En España, por ejemplo, recogemos toda la herencia del franquismo y la adecuación de los cuerpos, la construcción de aquello que se considera una mujer adecuada, solvente. Cuando empiezas a escarbar sale algunas cosas que son las que luego me dedico a poetizar en escena.

— Al principio mencionaste la palabra documental y por acá hubo hace unos años cierto boom del biodrama para indagar el vínculo entre ficción/realidad. ¿Aparece esto en España? ¿Cuál es tu interés por trabajar con esos materiales?

— Yo había hecho teatro amateur desde los 18 años con una voluntad totalmente lúdica, sin ninguna intención de ser protagonista o intérprete. Primero me formé en cine como guionista, y luego vino el interés por formarme en el campo de la dramaturgia generando material escénico desde la investigación y la creación. Además, me interesa mucho la relación entre el performer o lo que sea que esté protagonizando la escena y el público que viene a ver la obra, es decir, de qué manera se relaciona con ese performer, con una ficción o con los materiales de la escena en el marco de un teatro, a un día y a una hora establecida. Es un pacto que supone numerosas convenciones. Pero inicialmente no hubo un interés de hablar de mí o de mi madre, ni tampoco de construir una idea universal de lo que es la mujer o una persona de 30 años que vive en Barcelona.

— En una entrevista decías que te gusta pensar en un diálogo con el público más que en un monólogo, aunque estés sola en escena. ¿Cómo pensás a ese público?

— Creo que es muy importante saber de dónde viene uno. Yo no me he formado como actriz profesional sino como creadora de espectáculos, desde el lugar de dramaturga y directora. Entonces me gusta pensar que comparto el espacio escénico con el público: apenas abrimos puertas soy yo quien los recibe, ofrece un pequeño programa, saludo a todo el mundo sin establecer un marco de ficción pautado pero sí un compromiso escénico. Así, vamos navegando entre esta que soy yo misma y lo que voy a contar en escena. Todavía sigo sintiéndome rara cuando se apagan las luces y no puedo ver a los espectadores. A mí me cuesta mucho concebir una escena en la que deba simular que el público no está allí, porque es mentira.

— Muchas de las obras que vienen al Festival se montan sobre una puesta minimalista. ¿Cómo se trabajó eso en tu obra?

— En este caso el minimalismo de la puesta surge de una economía de lenguaje y de lo que yo necesitaba para contar esta historia. A mí me gusta remarcar la diferencia entre un minimalismo contextual o voluntario y la asepsia. Durante el proceso creativo, la obra poco a poco revela qué materiales necesita: eso incluye al performer, al público, los materiales dramatúrgicos, la escenografía.

— ¿Es tu primera vez en Argentina? ¿Cuáles son tus expectativas?

— Será mi primera vez en Argentina como artista; estuve viajando pero hace mucho tiempo. Tengo ganas de compartir la pieza en un contexto en el que idiomáticamente nos vamos a entender al 100%, pero con diferencias evidentes que quizás generen desplazamientos comunicativos interesantes.

FICHA DE LA OBRA:

Autoría: Verónica Navas Ramírez // Diseño de luces: Oriol Corral // Diseño gráfico: Verónica Navas Ramírez // Asistencia de escenografía: Oriol Corral // Asistencia de dirección: Ona Sallas // Producción: Institute Del Teatre // Agradecimientos: Agustina Basso, María García Vera, Anna Pérez // Duración: 50 minutos.

* Hasta agotar existencias se presentará en las siguientes fechas:

  • Domingo 9/2 a las 18.45 hs.
  • Lunes 10/2 a las 21 hs.

* Más info sobre programación y localidades de #TABA2020 en este LINK

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